Propriété interdite – Hélène Angel – 2011

Devenir gris.

     7.0   C’est incroyable qu’en partant d’un postulat simple de film d’épouvante – parce qu’au départ on pense qu’il est seulement ça – Hélène Angel ait si bien réussi à faire évoluer son film, les personnages de son film et le climat qui y règne. On dirait presque du Polanski. Mais la cinéaste prend le risque d’opérer un virage brutal vers la moitié de son film, et surtout ne s’arrête pas en si bon chemin. Car la fin est ahurissante.

     Claire et Benoît arrivent à la campagne pour vendre la maison dans laquelle le frère de Claire s’est récemment suicidé. On apprend qu’il s’agit de leur maison d’enfance. En pleine forêt. Ses souvenirs les plus anciens, les plus forts, essentiellement ceux liés à son frère, sont là, désormais continuellement sous ses yeux, autour d’elle. Une porte si émouvante qui mène à une chambre commune. Un carton sur lequel est écrit le nom de son frère. Et probablement d’autres trucs, plus invisibles. Tandis que Benoît, trop occupé par son business perso, des affaires de bourses, immobilières, on ne sait pas vraiment, s’absente à plusieurs reprises de cette maison, jusqu’à y laisser sa femme y passer des nuits entièrement seule, avec des évènements, des bruits, des cauchemars de plus en plus étranges. Sa lâcheté n’a d’égal que son pouvoir à occulter la vérité, ou du moins sa non-attention envers Claire, dont l’angoisse grandit de jour en jour. Ainsi, quand il découvre un trou dans la cave qui mène au jardin, il est probablement inquiet, mais ne panique pas, et surtout n’en parle pas. Il le bouche, puis il fuit à nouveau. Sauf que Claire le découvrira aussi, mais par le jardin. Tout s’accélère alors. Je préfère ne pas trop en dire, mais Propriété interdite devient un autre film. Le revirement est flagrant au niveau du couple d’ailleurs. C’était elle qui inquiétait, dans sa façon de se comporter avec ce frère mort, parce qu’aussi on la suivait jusque dans ses cauchemars, d’emblée elle paraît déséquilibrée. Un peu comme leur couple cela dit, que l’on ne sent pas en symbiose, dès la première scène. Il ne s’émiette pas vraiment au fur et à mesure de l’avancée du film, il donne l’impression d’être déjà à moitié en miette dès l’arrivée en voiture. Ils ne sont presque jamais ensemble. Il passe par devant, elle par derrière. Il ouvre un volet, elle n’est pas loin de le prendre dans la figure. Il veut se débarrasser de tout, pas elle. Elle est boulimique il ne semble pas le savoir. Jusque dans les cadrages on observe cette distance, Hélène Angel enfermant le visage de son personnage féminin un moment donné dans la fenêtre d’une vieille bâche déchirée, éloignant sans cesse Benoît avec un portable continuellement greffé à l’oreille. C’est en fait lui qui devient par la suite celui que l’on craint. C’est lui qui a une attitude étrange dans la chambre lorsque l’on entend Fade to grey de Visage (chanson probablement associée à l’enfance de Claire), c’est lui qui se met à faire sursauter Claire, tandis qu’au début c’était bien entendu le contraire. Nous étions au début du côté du couple, leurs peurs, sans doute le seul lien commun qui leur restait. Lien détruit lorsque l’une découvre la vérité et pas l’autre. A cet instant nous entrons dans le réel avec elle, tandis qu’il reste toujours de l’autre côté, les doutes, les angoisses. Ce glissement est remarquable. Il est remarquable aussi parce qu’il ne s’assoit pas sur ce qu’il devient, il se termine dans un carnage absolu, dans un état de folie inattendu.

     Dans la deuxième partie donc, si le film perd en angoisse pure, on peut même aller jusqu’à dire qu’il perd son statut de film d’épouvante, il est moins Shining, il est moins Répulsion, et bien il gagne en originalité, en mystère, en retournement des choses, en intelligence, il devient politique, violent. Ce n’est plus la même angoisse. C’est devenu Chabrolien, celui de La cérémonie. Ce n’est plus l’intrusion du corps étranger qui est menaçant mais le couple en lui-même, ces personnages fragiles qui perdent leurs moyens, au bord de l’implosion quand leurs idéologies s’affrontent. Mais il y a surtout beaucoup de folie. Les personnages ne maîtrisent plus rien. Propriété interdite devient vraiment fou. Fou et intelligent. Déstabilisant. Passionnant.

     C’est aussi le mélange des genres qui donne au film toute sa singularité. Cette classe avec laquelle Hélène Angel cherche à faire un film qui fait peur, l’entraîne vers des rivages politiques, et arrive à y glisser des petites touches très drôles, inattendues dans ce type de film. Le mari qui décroche son téléphone lorsqu’il rampe dans le trou étroit. Les bottes surprenantes de la jeune femme lorsqu’elle fait le ménage. Les motifs improbables de la moquette à l’étage. L’amas de sacs poubelles. Et plein de petites choses éparpillées dans le même style, très subtiles et franchement presque désopilantes.

     Quant à Hélène Angel, qui était là après la projection pour débattre autour de son film, c’est quelqu’un de passionnant et de passionnée. Elle a avoué être ravie que son film divise tant. Elle est en très fière aussi. Elle n’a donné aucun élément sur son prochain film, lequel est encore au stade de l’écriture. Et elle a annoncé la bonne nouvelle que son film sortirait en dvd en juin, en même temps que son tout premier film Peau d’homme cœur de bête. J’ai hâte !

Au-delà (Hereafter) – Clint Eastwood – 2011

Collision.    

   5.5   On a connu Clint Eastwood nettement plus inspiré, plus intense, profond, émouvant aussi. Mais quoi qu’on en dise, il y a quelque chose de beau dans ce mineur – mais un peu à contre-courant de sa filmographie récente – Au-delà. Disons qu’il y a eu le Clint des grands jours dans les années 90 avec ce qui resteront comme ses deux chefs-d’œuvre, Un monde parfait et Sur la route de Madison. Puis il y a eu deux moments forts dans les années 2000, bien qu’un peu en dessous, avec Mystic river et Million dollar baby. Clint fait souvent des films très écrits, peu subtils qui me laissent parfois de côté, L’échange en est l’exemple parfait. Ou alors il veut parler de l’Histoire et ça ne fonctionne pas bien, le diptyque sur Iwo Jima ou encore le très faible Invictus sur Mandela. Je préfère quand il fait des come-back touchants comme ce fut le cas avec Gran Torino, Clint avait un peu rechausser les crampons de la bonne époque en somme. C’était un beau film. Mais voilà, je me rendais compte chaque fois d’une baisse de motivation me concernant à aller voir les films du bon vieux Eastwood. Parce que tout est propre, maîtrisé. Et même s’il surprenait dans les choix variés de ses films, il n’y en a finalement qu’un seul qui me plait chez lui, lorsqu’il y met de lui, vraiment, pas comme dans ses fictions impersonnelles comme L’échange ou Créance de sang. Clint divise à nouveau avec Au-delà et bien que j’y allais à reculons, c’est rien de le dire, au vu de la bande-annonce, et bien je suis plutôt agréablement surpris dans l’ensemble. C’est un film honnête. Avec Gran Torino c’était l’adieu du vieux maître, ce film aurait pu faire figure de petit dernier dans sa filmographie. On était ravi, la boucle était bouclée. Pas même un an plus tard sortait le suivant. Et encore un an plus tard sort ce film-là, qui regroupe assez bien les thématiques du cinéaste, mais qui n’avait jusque là pas autant parler de la mort. Il s’interroge, c’est très touchant. Toujours ces traumatismes de l’enfance en filigrane, cette fois ci à des niveaux différents pour chacun des personnages. Ce n’est jamais larmoyant, c’est classique, c’est du Clint Eastwood, et c’est en fin de compte plutôt beau. A l’aide d’un montage alterné, il propose de suivre trois personnages principaux qui n’ont a priori rien en commun, si ce n’est d’être confronté à la mort, plus que les autres. Une femme qui échappe de peu au tsunami en Indonésie. Un jeune garçon qui perd son frère jumeau lors d’un accident. Un homme, médium, qui peut entrevoir l’au-delà et saisir des mots, des gestes de l’au-delà concernant une personne à qui il a touché les mains. Comme ça on dirait du Inarritu. Mais en fait pas vraiment. Ce n’est pas l’histoire qui est au second plan pour en faire ressortir les fulgurances du montage et les prouesses offertes par les pièces du puzzle, mais c’est bien l’histoire, comme toujours, qui intéresse avant tout Clint Eastwood. Ou plutôt, ce qui découle de cette histoire, comme si le cinéaste faisait son film à mesure que ses personnages progressaient, à mesure que cette femme tente de retrouver cet état entre-aperçu durant quelques secondes où elle a eu des visions d’autre chose, à mesure que ce garçon avance aux côtés de son frère disparu espérant un jour encore pouvoir lui parler à nouveau, à mesure que cet homme tente de reconstruire sa vie se privant volontairement de ce don qu’il considère comme une malédiction. Le problème du film c’est qu’il est très inégal, ce qui ne l’empêche pas d’être dans l’ensemble passionnant, et puis doté de plus deux heures que l’on ne voit pas passer. La partie qui concerne George Lonegan (Matt Damon) est un véritable plaisir. L’installation et le très beau rôle de l’acteur qui joue son frère. La rencontre avec cette jeune femme lors des cours de cuisine, que le cinéaste pousse jusque chez George où s’ensuit une longue discussion autour de ce don embarrassant, entre discrétion d’un côté, curiosité de l’autre, c’est peut-être ce que Clint a fait de plus beau, en terme d’écriture de dialogue, de durée de scène depuis bien longtemps. Parce que ça se passe dans un salon, une cuisine et pourtant c’est superbe. Sans compter que passé cet épisode, qui se terminera mal, et dont on se doute d’ailleurs que c’est un épisode parmi tant d’autres dans la vie du médium, condamné à la solitude, coincé par un truc auquel il ne peut échapper, et bien la jeune femme disparaît, on ne la revoit plus. Clint détruit la beauté de cette rencontre en une pauvre seconde. Concernant la partie française, que je trouve correct dans l’ensemble, c’est malheureusement cousu de fil blanc. On s’attend à presque tout. La réussite tient là dans la beauté des personnages encore une fois. Et j’aime le passage en Suisse, il ne fait qu’affirmer les convictions du cinéaste, clairement athée, qui chie sur toutes les religions durant tout le film. La partie londonienne est en revanche pas loin de m’exaspérer, tant je trouve l’histoire d’un banal presque sans intérêt, et surtout le jeu du petit bonhomme complètement vide. Ça ne me touche pas pour un sou. J’aime la fin en revanche. Pas ce morceau de film où Clint nous fait passer quelques secondes dans la tête de George qui se voit embrasser la jeune française dans un futur très proche, que c’est mauvais ça, mais la fin dans son ensemble, la rencontre des trois personnages, la séance avec le garçon et le tout dernier plan. Après il y a plein de petites choses qui me gênent ci et là, déjà je ne vois pas l’intérêt de montrer quarante fois une espèce d’au-delà tout pourri, alors qu’ensuite on entend Marie (Cécile de France) dire qu’elle s’y est sentie en apesanteur, qu’elle a tout vu à 360°, franchement j’aurai bien aimé voir ce qu’elle a vu, nous on voit une image dégueu blanche et noire limite flippante. Concernant les dialogues qui suivent les visions, qui auraient pu être d’un ennui profond, ils sont au contraire passionnants, qu’il s’agisse du mystère autour de June (première séance avec un ami du frère), de la révélation trash et bouleversante autour du passé de Mélanie, ou encore l’émotion qui découle de la discussion entre Jason et Marcus dont George est l’intermédiaire. Il y a quelque chose d’Un monde parfait qui passe entre le médium et le garçon, un rôle subtil de substitution père/fils. En tout cas j’aime ce que cherche Clint Eastwood, ce qu’il tente de dire sur ses obsessions, ses angoisses, parce qu’il a l’air de les vivre avec une plénitude, une sérénité, peut-être même une curiosité que je trouve extrêmement touchante. Voilà, ça ne me marquera pas outre-mesure, car encore une fois le film m’a très peu touché à l’intérieur, c’est plus la démarche elle-même qui me touche, mais dans l’ensemble je suis agréablement surpris.