Une place sur la terre – Fabienne Godet – 2013

   4.5   Je reste globalement très loin de tout mais c’est pas mal. Poelvoorde est bon, bien que dans un registre un poil trop affecté. Ariane Labed traverse le film comme un fantôme, c’est idéal. Après j’ai surtout du mal avec le manque de spontanéité d’un tel programme qui me parait beaucoup trop écrit et carré pour me cueillir, aussi dramatiquement chargé soit-il. Mais il y a de beaux moments, qui sont paradoxalement les plus légers.

Monsieur Lazhar – Philippe Falardeau – 2012

   4.0   C’est pas terrible. C’est apparemment tiré d’une pièce et on a l’impression que la mise en scène est restée aussi à ce stade. Pourtant cette double histoire de deuil ça pouvait être très beau, j’y croyais. Il y a un semblant d’émotion sur la fin malgré tout. Ça ne justifie quand même ces multiples récompenses.

Préjudice – Antoine Cuypers – 2016

Le vilain petit canard.

   5.0   J’y allais pour Thomas Blanchard (Inupiluk, Memory lane, Les amitiés maléfiques) et pour son savoureux pitch « Lors d’un repas de famille, Cédric, la trentaine, vivant toujours chez ses parents, apprend que sa sœur attend un enfant. Alors que cette nouvelle suscite l’engouement auprès de tous, elle provoque chez lui un ressentiment qui va se transformer en fureur » parce que les carnages familiaux au cinéma m’ont toujours fascinés et que ce fameux Cédric est donc campé par Thomas Blanchard, enfin un vrai premier rôle bien cramé, pour cet immense acteur.

     Préjudice est le premier long métrage d’Antoine Cuypers. Si l’on n’ira pas jusqu’à dire qu’un cinéaste est né, il y a suffisamment de matière dans ce coup d’essai pour présager une bonne carrière de faiseur à la Dominik Moll ou Joachim Lafosse. Oui, lui aussi est belge et lui aussi aime les ambiances chelou. Mais c’est un cinéma à sujet avant tout. L’ambition de Préjudice est moins de jouer sur une montée d’angoisse, de suspense voire d’horreur que de dérouler ses zones d’ombre de manière à dilapider tout ce qui faisait l’absurde gravité de la première demi-heure.

     De cette première mystérieuse partie (mais trop bizarre pour ne pas être agaçante) nous allons apprendre petit à petit à connaître chacun des personnages, de la famille ou rattachés, et les tensions qui animent cette petit famille. Nous allons voir que la maison abritait d’ordinaire un couple et leurs trois enfants, une fille et deux garçons, dont l’un d’eux est absent ce fameux soir de retrouvaille, mais dont on saisit qu’il devrait tous les rejoindre en fin de soirée. Si Laurent (l’invisible) n’est pas là, sa femme l’est, accompagnée de leur fils. La sœur quant à elle est arrivé avec son homme et compte sur cette réunion de famille pour annoncer sa grossesse. C’est sa soirée, elle ne cessera de le dire.

     Le troisième enfant c’est donc Cédric. Il est bizarre, ça saute aux yeux en quelques secondes. Moins sur son visage fermé (après-tout il pourrait refouler une blessure, masquer un drame ou tout simplement être de mauvaise humeur) que dans sa façon d’être, de se comporter, avec son neveu dans la forêt, avec son père au barbecue, avec son beauf sur une simple question boulot. Tous ont envers lui un regard autre, qui ne serait ni celui du mépris, ni de l’indifférence mais plutôt construit sur la crainte, le ménagement. On lui parle sans vraiment lui parler ni attendre une réponse. On l’écoute avec le même détachement. C’est forcément bien trop déconcertant comme ambiance familiale soit parc qu’on a raté un wagon, soit parce que ça tend imperceptiblement vers le surréalisme – Buñuel n’est parfois pas loin, qui plus est sur la question de ce fameux dîner, qui ne se fera jamais.

     En réalité, le film choisit de se vivre quasi entièrement du point de vue de Cédric qui ressent ce rejet, jusqu’à accuser le complot. Le fait d’être Cédric, ses pas, sa respiration, sa pensée, empêche de saisir le véritable nœud familial qui se joue, depuis une éternité. Le film joue tellement avec ce trouble qu’il semble forcer toutes les incompréhensions, et le rôle que cette famille joue en présence de Cédric. On se demande longtemps s’il n’est pas de retour de taule ou simplement un Tanguy ultime, tout en rage contenue et fausse gentillesse exacerbée.

     Le drame qui se joue est plus tragique que ça. Il existe depuis sa naissance. Et le film offrira moult indices pour nous y amener mais joue trop avec ce trouble pour être ce qu’il aurait dû être : Un mélo entièrement dévoué à ces personnages. Là il n’y en a pour ainsi dire pas un pour sauver l’autre. Car à force de tout voir du point de vue de Cédric on ne voit rien et ce qu’il voit et rêve (de fouler un paysage autrichien) nous ne le voyons pas non plus, justement pour qu’on ne saisisse pas d’emblée la portée de sa folie.

     C’est donc l’histoire d’une famille dysfonctionnelle, brisée et fatiguée (le père semble quasi mourant) qui aura vécu avec et pour un fils ou un frère malade, incapable de sortir de la maison de ses parents (La scène dans la forêt revient d’un coup de fouet) et de construire quoique ce soit d’autre que ce qu’il vit au contact de sa mère, qui le fait voyager en lui collant un poster de montagne dans sa chambre, lui fait partager ses cigarettes et semble lui raconter sans cesse qu’elle se sacrifie pour lui depuis toujours, qu’il représente ce fardeau qu’elle s’est choisi.

     Sauf qu’on ne saura jamais vraiment si la fêlure de Cédric ne provient pas d’une trop grande castration de sa mère, qui continue ad aeternam de s’en occuper comme d’un bambin. On ne saura pas vraiment si la tyrannie qu’il projette durant ce repas de fête n’est pas celle qu’il a dégagé depuis toujours. La névrose qui l’habite fait écho à celle de ses parents, qui eux l’ont toujours plus ou moins masquée, forcément – La scène avec le voisin en est l’illustration. Dans ce climat où victimes et bourreaux semblent réversibles jusqu’à l’imposture théâtrale (On flirte beaucoup avec la pose) Cuypers se repose sur la clinicité d’un cinéma hérité d’un certain Haneke et fait d’une ébauche de tentative de bonheur bourgeois (avoir une maison, un jardin, des enfants) le spectacle répugnant d’une masse face aux réprouvés.

Vous voulez une histoire ? – Antonin Peretjatko – 2014

Vague à l âme.

   5.5   Dans un premier plan un poil violent, sur un chevet marron un téléphone blanc sonne et un texte (façon machine à écrire) s’immisce dans l’image : « Once upon a time… fuck you ». Ok. Un mantra que le docteur Placenta aurait pu sortir.

     Puis ça enchaîne sur une voix off comme échappée d’un autre temps : « Vous voulez une histoire ? Un semblant d’histoire ? Mettez deux femmes dans un train et imaginez que l’une d’elles est rousse… »

     Ça ressemble à du Guy Gilles. Comme La fille du 14 juillet ressemblait à du Godard, soit pas vraiment. Des images en format Super 8 se succèdent et correspondent à ce que le cinéaste a ramené d’un vieux tour du monde.

     Il est question de plusieurs voyages. Dans un collage solaire, dynamique, foutraque. Une voix off relativement monocorde mais pleine de malice s’amuse à créer un espace de discussion intime avec le spectateur.

« J’arrivais au Japon, sur une musique thaïlandaise, téléchargé en Argentine sur une plateforme luxembourgeoise ».

     Le visage d’une femme rousse « enfin blonde, mais rousse c’est mieux pour l’histoire » est saisie à travers les fenêtres d’un train. Quelqu’un nage dans une piscine d’eau de mer. Le corps d’une autre femme est plongé dans un lit. Ici l’Egypte, plus loin la Russie. Le réel, la fantaisie. Il n’y a plus de frontière.

« Un voyage est surtout un voyage intérieur. Et celui qui ne comprend pas ça ne voyage qu’à moitié. »

     Dans une interview, Peretjatko disait : « Et j’ai fait un tour du monde, c’est toujours étonnant de faire un aller simple jusqu’à la maison, j’ai gagné un jour dans cette histoire car j’ai passé la ligne du changement de date dans le bon sens : de samedi soir, je suis passé à samedi matin. Comme j’avais bu le samedi soir, j’ai eu toute la matinée du jour même pour me remettre de ma cuite et passer un samedi soir normal. C’était un week-end agréable. »

     Je pense que ça cible bien l’humour du bonhomme.

Paris monopole – Antonin Peretjatko – 2010

Tout le monde n’a pas eu la chance…

   5.0   On va dire que je l’aime un chouilla moins que les deux autres car il est beaucoup plus sage, mineur, clairsemé et que j’ai l’impression qu’il pourrait davantage être fait par n’importe qui. J’exagère, évidemment, parce qu’il y a vraiment la patte Peretjatko mais je ressens moins ce sentiment d’urgence et cette folie qui rend son cinéma si singulier. La présence de Hafsia Herzi me pose problème par exemple, alors qu’elle se fondait miraculeusement dans l’univers de Guiraudie.

Jeu de massacre – Alain Jessua – 1967

Dessine-moi un héros.

   5.0   Il s’agit du deuxième long métrage d’Alain Jessua et accessoirement de celui que j’aime le moins à ce jour car pour la première fois ce qui jusqu’ici était une qualité à mes yeux, à savoir son penchant volontiers pour les récits à vagues, les tempos chaotiques, les ambiances foutraques, joue en sa défaveur et me laisse souvent perplexe. Les interprétations sont trop hirsutes, les postsynchronisations approximatives et il faut dire que le montage, aussi déluré soit-il, est particulièrement ingrat. C’est un peu comme sera Traitement de choc : Sitôt qu’on a appréhendé son mécanisme, son enveloppe est trop fine pour que le récit préserve une vraie saveur. C’est le mystère qui nous gardait en transe, dès que l’on a compris les récurrences et les enchainements (comme des Tome de Bd qui se ressembleraient tous) Jeu de massacre y perd énormément, probablement parce que sa matière comique ne prend pas. Malgré tous ces griefs, le film me plait. Justement parce qu’il ne rentre dans aucune case, ni dans un semblant de Nouvelle vague, ni dans le film de genre, ni la tendance mainstream. Et parce qu’il se joue quelque chose de très étrange, flottant et sensuel entre ce drôle de trio, constitué de deux artistes mariés, elle qui s’occupe des planches, lui des bulles, accompagnés, perturbés, sauvés, tourneboulés par un fan gourou, fils à maman psychopathe. Un jeu de manipulateurs/manipulés constamment en mouvement. Une sorte de mélange entre Psychose et La piscine quoi. Pour le lieu essentiellement, décor suisse qui fait la réussite du film, mais qui inéluctablement se trouve noyé sous la mise en scène épileptique de Jessua, alors que cette maison, ce lac, il y a tout pour en faire un film d’épouvante quasi Polanskien. Reste la belle Claudine Auger, assez magnétique et les incrustations de bandes dessinées réalisées par Guy Peellaert, ponctuant l’étrangeté d’un récit nerveux et plastiquement hétéroclite, jonglant en permanence entre fiction et réalité.

L’affaire SK1 – Frédéric Tellier – 2015

True story.

   4.5   Je trouve ça honnête, appliqué, mais dans l’ensemble je l’ai déjà oublié. Trop formaté, télévisuel, impersonnel pour procurer mieux qu’une maigre curiosité, malgré un sens du rythme et du montage évident. Surtout parce qu’il veut jouer sur le sensationnel en permanence, être le nouveau Seven et affiche, en croyant à son brio, ici une succession de découvertes macabres, là une intensité et un suspense procédurier qui n’existe plus si l’on a suivi, entre deux colonnes de brèves, le procès Guy Georges. Et puis j’ai un problème avec Gourmet. Je l’aimais bien dans ses seconds rôles chez les Dardenne, mais depuis qu’il joue la semi star je le trouve toujours (excepté chez Schoeller) à côté. Et puis il y a Personnaz, qui autant le dire, est un miscast ahurissant. Il est nul. Il n’est rien, ne transporte rien. L’interprétation mise à part, je n’ai pas pu m’empêcher de penser à la première saison de True detective et là au jeu des comparaisons, disons c’est que c’est foiré d’avance.

L’enquête – Vincent Garenq – 2015

Le ver est dans le fruit.

   5.5   Le film m’intéressait moins pour Clearstream que pour Garenq, que j’avais trouvé honnête metteur en scène pour son film sur l’affaire d’Outreau. Et c’est un film d’enquête bien troussé. Ça fait en apparence un peu Clearstream pour les nuls – ce qui me convient assez – mais Garenq parvient à dépasser son sujet et faire un pur film d’investigation, toujours en mouvement, lisible et passionnant. Quelques fautes de goût néanmoins dans son absolue volonté de faire un truc rock’n’roll à l’américaine. L’utilisation musicale essentiellement et son aspect « plein comme un œuf » écrase un peu son champ d’action. Aussi dès qu’il entre dans l’intimité de son personnage, le film est moins bon, tout simplement parce que les séquences de famille sont ratées, parce que Florence Loiret-Caille doit jouer la femme relou, comme toujours dans ce genre de film et que son personnage est beaucoup trop chargé. Il y a aussi le cas Lellouche, toujours trois crans en-dessous celui-là ou au-dessus justement, surjouant quasi tout. J’ai trouvé très beau l’utilisation formelle du mélange de documents (images d’archives notamment) dans la fiction, sans trop se soucier d’une minutie de reconstitution, tant mieux. C’est donc une semi-réussite. Ce qui est déjà très bien. Mais en s’en tenant à son matériau écrit pur et avec la mise en scène très sèche et carré du Garenq de Présumé coupable, donc en enlevant un peu de sa masse romanesque superflue, le film aurait été plus puissant et pu lorgner du côté des Patriotes ou des Hommes du président.