The endless summer – Bruce Brown – 1968

The Perfect wave.

   9.5   Le superbe et imposant dossier consacré à L’été au cinéma (thématique qui m’est chère) dans Les cahiers « de vacances » du cinéma, de juillet/août 2016 m’avait donné autant envie de revoir Rohmer et Rozier que de me pencher sur les Bergman estivaux, et m’avait surtout permis d’apprendre qu’on ressortait le film ultime du fan de surf : Un documentaire portant le même titre à la fois d’un album merveilleux de Fennesz et d’une compilation des Beach boys de 1974, au sein duquel trois potes californiens (Deux surfeurs, un filmeur) partaient faire le tour du monde en quête de spots inconnus, pour y débusquer la vague parfaite et l’été éternel, afin de défier les brutaux changements de saison et les importantes chutes de température. J’en rêvais de ce film.

     The endless summer s’ouvre comme un film pédagogique sur le monde du surf : On nous présente de célèbres plages à vagues, les figures de base, le vocabulaire, quelques noms importants. Une voix off quasi omniprésente donne le tempo du film, lui offre une construction et l’embarque sur les terres du film d’aventures, entre le cinéma ethnographique d’un Jean Rouch ou d’un Robert Flaherty, le home movie et le cinéma-clip : On a parfois la sensation de voir un assemblage d’images qui collerait à merveille avec les tubes Surfin’ Safari ou Surfin’ USA. Point de chansons des Beach boys dans The endless summer, pourtant le film sera gorgé de morceaux rock des sixtees signés The Sandals. C’est aussi la singularité du film que de s’appuyer sur cette voix off, bien ancrée américaine, avec ses préjugés culturels, son autodérision et sa naïveté aussi embarrassante qu’attachante. En outre, le film est aussi un beau document sociologique sur la jeunesse américaine des années 60. En terre inconnue, loin de Malibu.

     C’est donc un voyage. A travers l’Afrique, d’une part : Sénégal, Nigéria, Afrique du Sud. On y plonge dans les eaux froides de l’atlantique jusque dans celles de Durban et ses spots infestés de requins. On y découvre d’immenses plages désertes ou bien des plages où les enfants observent les surfeurs entre prudence (les deux américains semblent vraiment cinglés à danser sur leurs planches) et fascination ou bien une plage (Vers Cap de Bonne espérance) où une petite communauté de surfeurs autochtones s’éclatent déjà sur le même spot (à quatre par vague, parfois) tandis que les plages aux alentours sont vierges. Le voyage se poursuit ensuite en Australie (Bells beach, forcément, mais la saison est mauvaise), en Nouvelle Zélande (Avec les vagues de l’anse de Raglan, tellement longues qu’elles pourraient prendre la moitié du film), à Tahiti (le fameux spot où les vagues se déversent vers la plage et vers le large) puis à Hawaii (On y voyait les hallucinants monstres d’écumes de Waimea dans les flashbacks, on y verra là des vagues parfaites, malgré leur violence et les coraux). Un voyage pour s’ouvrir au monde et ouvrir le surf au monde. Un trip poétique dans sa dimension « quête de la vague parfaite » qui traversera le cinéma puisqu’on y retrouvera cela dans le Point Break, de Bigelow dans un ancrage évidemment plus suicidaire puisque fictionnel, même si l’idée est déjà présente, en sourdine, dans le film de Bruce Brown.

     La réussite d’une telle entreprise tient à plusieurs facteurs dont un, essentiel : que le geste soit sérieux. C’est-à-dire que le surf y soit approché dans toute sa dimension métaphysique. Et dans le même temps, Bruce Brown parvient, puisqu’il est aussi le narrateur, à rendre ce voyage extrêmement vivant, drôle, joyeux, aussi dérisoire que nécessaire. Ça ne tient pas à grand-chose, parfois à un fil – L’excès de coolitude 60’s engagée dans la voix off, la répétition absurde des plans d’une plage à l’autre, la quasi inexistence des surfeurs hors de la vague – mais c’est aussi justement cette représentation extatique qui est convoitée, à l’image de ce spot parfait (à Saint Francis, en Afrique du Sud, je crois) où dans une eau à la température plus que confortable, les vagues forment des rouleaux identiques (qu’on croirait fait par une machine, dira le narrateur) et éternels, pas trop gros mais parfaits, qu’il est impossible de filmer en un seul plan.

     Et il faut aussi que le geste soit honnête, qu’il soit capté sur le vif, qu’il saisisse les instants de découvertes plus que la reconstruction de cette découverte. Qu’il soit un carnet de voyage, avant tout. On voit bien souvent que le film a manqué de rushs, qu’il s’étire bizarrement ici, qu’il est brutalement sectionné là. Ça lui offre une totale spontanéité dans l’image, contrebalancée miraculeusement par la voix de Bruce Brown qui bien qu’il semble s’adresser à nous comme à ses potes, est probablement issue d’un texte minutieusement écrit. Et puis c’est quoi ces images, sérieusement ? Doit-on rappeler que le film date de 1966 ? Bruce Brown filme parfois jusque dans la flotte (Notamment ces plans à même la planche, cinquante ans avant l’apparition de la Go-Pro) et nous embarque à leurs côtés, fait en sorte que l’on fasse partie intégrante du voyage. The endless summer c’est le film emblématique de la culture surf. Et dorénavant, c’est l’un de mes films de chevet.

La vérité – Henri-Georges Clouzot – 1960

Le bal des maudits.

   9.0   Après les déceptions générées par les découvertes des premiers films d’Henri-Georges Clouzot (L’assassin habite au 21, Le corbeau, Quai des orfèvres) rien ne présageait une telle déflagration. La vérité est un film incroyable, un grand film de procès autant qu’il est un puissant mélodrame passionnel.

     Dominique, une jeune femme, incarnée par une magnétique, amoureuse, provoquante, rêveuse, sensuelle et bouleversante Brigitte Bardot, y est jugée aux assises pour le meurtre de Gilbert, (Sami Frey, génial, comme d’habitude) son grand amour, clame-t-elle, mais petit-ami de sa sœur aux yeux de la population, des jurés, et encourt la peine de mort. L’ironie tragique veut qu’elle en soit passible à cause de son suicide raté.

     Toute la singularité du film de Clouzot sera de conter minutieusement et limpidement chaque étape du procès – Du choix des jurés à la fermeture de l’audience, terrifiante machine judiciaire – tout en remontant dans le passé de l’accusée par couches de flashbacks, de façon à comprendre son criminel destin et à voir la vie, l’amour, les doutes, la douleur, tandis que le tribunal ne voit qu’un récit, froid et rationnel.

     Construction par brefs retours au présent, dont Sautet saura (un peu) se souvenir pour Les choses de la vie. Il y a en tout cas dans ces deux films, pourtant très différents, un rapport étrange au temps : L’impression que le vrai présent (l’accident ici, le tribunal là) n’existe plus que dans une réalité alternative macabre, glacée tandis que le passé, lui, agit finalement comme le présent véritable (vivant) du film. Celui dans lequel, nous, spectateurs, pouvons nous frayer une place.

     Un procédé maintes fois utilisé dans La vérité accentuera autant sa dimension mélancolique qu’il en créera un langage-même au sein du film : Il suffit d’un dialogue ou d’une action qui se casse et se poursuit dans un autre décor, une autre situation. D’un rire pour en convoquer une image de plénitude débarrassé des attributs tragiques du présent, d’une larme pour en générer un gouffre de désespoir. Jamais on n’avait vu Bardot ainsi. Top 1 Clouzot, haut la main.

Le crabe-tambour – Pierre Schoendoerffer – 1977

Un chat noir sur l’épaule.

   8.0   C’est un voyage doux autant qu’il est austère, aussi magnétique que décousu, entre le Mékong et les Grands Bancs de Terre-Neuve, sur plusieurs temporalités : Les souvenirs de guerre de trois officiers de marine chevauchent le présent d’un escorteur (lors de son ultime mission avant son désarmement) brisant les vagues de l’Océan Atlantique puis bientôt la glace du Grand Nord.

     Ce présent aurait pu servir de remplissage ou de prétexte pour raconter les histoires de ce lieutenant de vaisseau autrement plus exotiques, d’apparence plus passionnantes, c’est pourtant peut-être cet étrange présent qui me touche le plus. Evidemment, comment ne pas être ému devant les échanges de Claude Rich et Jean Rochefort, deux grands du cinéma disparus cette année, à quelques jours d’intervalle, bordel ?

     Les trois officiers (Le commandant de bord, le médecin, le chef mécanicien) évoquent donc un quatrième, une figure abstraite, conradienne, roi beau, roi fou, lieutenant de vaisseau affublé continuellement d’un chat noir sur son épaule. Souvenirs et anecdotes qui remontent à l’Indochine, la guerre d’Algérie. Willsdorff (Aguirre meets Kurtz) prend les traits de Jacques Perrin aux allures d’un Klaus Kinski plus aimable, plus atténué.

     On attend un tournant, un bouleversement, un climax insensé. Rien ne vient. Et pourtant tout est là. Le voyage vers le grand Nord fusionne avec celui plus immobile dans le Sud Viêt-Nam. Lorsqu’est évoqué la mort du frère du capitaine Willsdorff, c’est la photo de Bruno Cremer qu’on croise dans la brève d’un journal. Instant fort qui nous replonge dans La 317^e section où Perrin et Cremer y campaient aussi deux figures antagonistes et fusionnelles.

     C’est peut-être la plus grand réussite de ces deux films, la plus belle chose qui parcourt le cinéma de Schoendoerffer : La réunion dans le mythe, de figures opposées, qui se nourrissent l’une pour l’autre. Willsdorff existe puisqu’on se souvient de lui. Les trois officiers existent puisqu’ils activent les souvenirs qui vont nourrir leur présent. L’arrivée à Terre-Neuve c’est magnifique, c’est La grande idée simple et bouleversante du film. L’issue rêvée.

     Et puis plus simplement j’aime que le film nous montre des gens au travail. J’ai l’impression que cette minutie nous la devons essentiellement à Pierre Schoendoerffer, qui capte une dynamique singulière, un réalisme froid mais beau, puisqu’on ressent la vie à bord du navire ou sur un radeau, la vie en temps de guerre ou en temps de paix. Que Schoendoerffer soit parvenu à faire vibrer un récit aussi mortifère ce n’était vraiment pas gagné.

     Le film est par ailleurs rempli de trouées et passerelles curieuses, puisque cet étrange chat noir, qui est partout, que l’on chasse ici et qui réapparait là (Plus loin dans le déroulé du récit, plus tôt dans la chronologie) évoque continuellement, avec l’idée même du crabe-tambour, la maladie du commandant de bord, cette tumeur qui le chasse de son métier qu’il veut continuer à exercer à tout prix. Cet homme, Willsdorff, pourrait être leur cancer à tous, il pourrait d’ailleurs être mort  – Cette manière que chacun a d’en parler le place d’emblée de l’autre côté – et pourtant il est toujours vivant, devenu pêcheur sur un chalutier.

     Merci au chef op Raoul Coutard qui nous offre une fois encore une photographie à tomber, qui plus est à bord de ce paquebot chevauchant les murs de vagues de l’océan atlantique – ça ma donné envie de revoir le Léviathan, de Lucien Castaing-Taylor et Verena Paravel, de remonter sur un chalutier en somme.

Twin Peaks – Saison 3 – Showtime – 2017

“We are like the dreamer who dreams and then lives inside the dream”

   7.5   Super délicat de parler du retour de Twin Peaks. Je tiens d’abord à dire que je ne suis pas un fervent connaisseur, à la base. Je l’ai découverte sur le tard, il y a une dizaine d’années, j’avais adoré y retrouver l’ambiance lynchienne qui m’avais tant dérouté dans Blue Velvet, Lost Highway et bien entendu Mulholland Drive. Univers qui ne ressemble à aucun autre alors qu’il a pourtant ses référents – On sait combien Lynch est attaché à Sunset boulevard, Vertigo ou Persona – et ses nombreux héritiers. Twin Peaks avait tout, sans doute, de la série OVNI dans le paysage sériel – Là aussi, difficile d’en juger personnellement puisque je ne connais aucune autre série de l’époque. J’ai quoiqu’il en soit le souvenir diffus de quelque chose d’inégal (Surtout la deuxième longue saison) et confus dans son déroulement mais superbe sitôt qu’on l’aborde du point de vue de la multitude de personnages (doux et/ou dingues) qui l’habitent. Si j’ai pas mal oublié les détails de l’enquête et comment le récit glisse de la découverte du corps de Laura Palmer aux plongées de Cooper dans la Loge, j’ai une idée assez précise de qui sont Dale, Audrey, Leland, Bobby, James ou Norma. Leurs voix, visages, façon de marcher, de parler, tout ceci est assez précis dans mon esprit. Le film quant à lui (découvert dans la foulée de ma découverte de la série) je ne m’en souviens pas suffisamment. Un peu comme pour Inland Empire, ça a été une grosse baffe sur l’instant, un choc immédiat, complètement fou et perturbant, mais que ma mémoire imprime plus difficilement qu’un classique plus absolu comme Mulholland Drive. A l’instar de la série, ces films (IE, TP, ni même BV et LH) je ne les ai jamais revu. Comment donc aborder The Return de Twin Peaks en partant de cet attachement un poil bancal ? Evidemment, le mieux aurait été de tout revoir, mais d’une le temps manque, de deux je n’en n’avais pas l’envie. J’ai donc choisi de la recevoir ainsi avec le peu de bagage mémoriel que m’avaient laissé les deux premières. En tentant, qui plus est, de regarder un épisode par semaine, comme ils nous étaient proposés. Riche idée tant l’expérience s’avère aussi stimulante sur 1h qu’elle pourrait être indigeste sitôt abordée en binge-watching. C’est tout le paradoxe : A la fois on n’a jamais vu une série comme celle-là, et même jamais vu une saison comme ce retour de Twin Peaks, et à la fois elle s’apprécie moins comme les séries d’aujourd’hui (Tout voir d’une traite) que comme celles d’antan. Voilà pourquoi, déjà, je ne pourrai jamais la considérer comme un film (Le genre de truc qui ne me dérange parfois absolument pas : Carlos, Mildred Pierce, La maison des bois, Le décalogue…) ce même si Lynch lui-même n’a cessé de dire qu’il s’agissait pour lui d’un film de 18h. Et puis plus simplement : Elle respire comme une Série, point. Ça ne se discute pas. Soderbergh a beau réaliser l’intégralité des épisodes de The Knick, c’est une série, ça respire comme tel, c’est ainsi. Bref, dans ce magma (le mot n’est vraiment pas de trop, là) sidérant on pourra toujours retenir les fermetures musicales, toutes plus élégantes les unes que les autres (mention spéciale à Au revoir Simone et Chromatics) et magnifiquement déroutantes quand elles débarquent autrement : Je ne me suis pas remis de la machine infernale crachée par Nine Inch Nails. Tuerie dans la tuerie puisque l’épisode 8 au sein duquel elle explose sans crier gare, au milieu d’une avalanche de séquences toutes plus hallucinantes les unes que les autres, restera le truc le plus dingue vu cette année, depuis dix ans, depuis toujours. La séquence de la pause pipi, She’s gone away, le champignon nucléaire, la bête chelou. Un choc tellurique. Qu’on avait déjà plus ou moins rencontré dans un épisode 3 ô combien déconcertant « Helloooooo » avant de culminer dans un épisode 14 grandiose, chelou, drôle, délirant, flippant, émouvant. Si cette saison m’aura semblé plus bancale que pour d’autres, je dois reconnaître qu’elle aura aussi libéré des espaces sensitifs qu’on ne voit jamais dans le medium. J’ai lu de supers papiers à propos du retour de Twin Peaks, enthousiastes, passionnés, unanimes. Je vous invite à les lire aussi. Et ça permet de voir combien c’est une œuvre inclassable. Depuis, Harry Dean Stanton nous a quitté. Comme avant lui Miguel Ferrer (Albert) ou Catherine E. Coulson (La femme à la bûche) ou David Bowie (Philip Jeffries). Ça donne à la série un amer parfum de mort autant que ça la rend étrangement éternelle, comme Laura Palmer. C’est très beau.

Un beau soleil intérieur – Claire Denis – 2017

Des gens qui embarrassent.

   3.0   La grande histoire d’amour entre Claire Denis et moi a du plomb dans l’aile depuis dimanche dernier. A vrai dire je n’y croyais pas trop à ce Beau soleil intérieur, avec Binoche en figure de proue – Déjà, Huppert dévorait un peu trop le beau White material. Puis j’ai cessé de me méfier. Après tout, Claire Denis ne m’a jamais déçue. Certains de ses films m’ont marqué au fer (US go home, Beau travail, 35 rhums) et celui que j’aime le moins (S’en fout la mort) je l’aime déjà beaucoup.

     Que s’est-il donc passé ? L’incompréhension totale. Soit il s’agit du syndrome Dumont Moi-aussi-je-suis-capable-de-changer-radicalement-de-registre-et-je-vous-emmerde soit c’est de la faute de Christine Angot, bouc émissaire idéal ces temps-ci – et donc co-scénariste avec Claire Denis d’Un beau soleil intérieur. Un peu des deux, probablement. Rien ne fonctionne à mes yeux. Le film semble crier de partout qu’il change la donne, en brisant chaque embryon de dialogues par des hésitations et/ou mots incompris, comme évaporés dans le néant, il semble aussi chier sur les classes aisées mais je n’y vois qu’un truc bourgeois, suffisant. Ce moment ridicule à la campagne, j’étais persuadé que Binoche allait leur gueuler dessus, sur ces intellos beaufs. Je le savais. Désolé mais j’avais parfois presque l’impression d’être devant un Danièle Thompson de luxe quoi.

     Si j’aime le cinéma de Claire Denis c’est moins pour sa tendance à choisir un silence qu’un dialogue (Quand bien même, il faut reconnaître que ça fait du bien) que pour le jonglage si élégant, si subtil entre la parole, les regards, les déplacements. Il y a un flux sensuel dans son cinéma que je n’ai jamais retrouvé ailleurs. Un beau soleil intérieur détient aussi une respiration qui lui est propre – Mais comme on pourrait en dire autant de l’insupportable film de Xavier Dolan : Juste la fin du monde – pourtant rien ne respire Claire Denis là-dedans, tout paraît faux, fabriqué, jusque dans son dénouement, lumineux (j’imagine) si on a marché, laborieux si on attend depuis longtemps que ça se termine. Grosse, très grosse déception. J’espère qu’il s’agira seulement d’une parenthèse foirée comme lorsque Mouret a fait Une autre vie.

Good time – Ben Safdie & Joshua Safdie – 2017

Nuit blanche à New York.

   7.0   Good time est le troisième long métrage des frères Safdie, désormais bien installés sur le devant de la scène mumblecore. Tellement estimés qui leur a été offert une place en compétition à Cannes cette année. S’ils sont repartis bredouille, il est important de dire que d’une part ce type de cinéma (américain) est rarement représenté dans la compétition officielle (Il a disons davantage sa place à la quinzaine) et d’autre part que Good time a bénéficié d’un appui considérable de la critique presse de goût.

     Robert Pattinson, bien qu’étant connu pour sa prestation de vampire monolithique chez Twilight, s’est révélé avec le temps cinéphile érudit aux choix de plus en plus radicaux : D’abord en jouant chez Cronenberg (Cosmopolis et Maps to the stars) puis chez Herzog, Corbijn et plus récemment James Gray. Parait-il même qu’il sera au casting du prochain film de Claire Denis. Soyons clairs : C’est bien lui qui impulse le rythme cardiaque de Good time, c’est lui qui le rend frénétique et qui l’apaise. Il est extraordinaire. C’est moins le cas de la bande originale, grossière, outrancière – Oneohtrix Point Never est à mon avis le musicien le plus surestimé de sa génération.

     Les références scorsesiennes qu’on lui a trop vite attribuées ne plaident pourtant en faveur du nouveau film des frères Safdie. De Taxi driver, il manque sans doute un peu de chair, d’After Hours on regrettera qu’il ne lui emprunte pas suffisamment sa folie. Quant à sa construction, étrange (comme à leur habitude) c’est aussi un parti pris qui peut s’avérer risqué : Le braquage initial, magnifiquement maladroit et foireux, est autant un sommet de suspense, d’angoisse et de promesses que la suite verra s’étirer cette descente aux enfers d’errants réprouvés, d’une langueur assumée, parsemée de mini coups de théâtre un peu cheap.

     Sans rien te cacher, j’ai même piqué du nez un moment et je suis intimement persuadé que ça fait partie du « triomphe » du film que de vouloir happé son spectateur dans ce voyage nocturne arythmique, jusqu’à parvenir à le plonger ici dans un éprouvant trip hallucinogène, là dans une léthargie urbaine presque agréable. Ou peut-être étais-je simplement trop fatigué, je ne sais pas. Quoiqu’il en soit, j’ai apprécié le double état contradictoire dans lequel Good time m’a plongé. Et du coup je ne suis pas certain que je pourrais le revoir, mais pas pour les mêmes raisons que je pourrais difficilement revoir Mad love in New York.

Samia – Philippe Faucon – 2001

Avant Fatima.

   8.5   C’est très intéressant de découvrir Samia aujourd’hui, après le succès de Fatima, dans la mesure où Philippe Faucon n’a manifestement pas changé de façon de faire sinon qu’il a opté pour un autre personnage d’ancrage. Il est aussi question d’une famille d’origine algérienne et des rapports électriques hérités du fossé culturel et générationnel. On se souvient que chez Fatima, l’une de ses filles plantait sa scolarité quand l’autre entamait une école de médecine. Dans Samia, il s’agit aussi essentiellement d’un monde de filles puisque Samia, 16 ans, sixième de la fratrie, a trois grandes sœurs et deux plus petites.

     Ce qui à première vue a changé c’est la direction qu’offre le titre. Fatima c’est la maman, Samia c’est la fille. Philippe Faucon ne travaille pas exclusivement le portrait pur, donc il peut suivre l’une des filles de Fatima comme ici quitter parfois Samia pour Amel ou Farida, ses sœurs. C’est justement ce glissement qui est très beau et extirpe le film d’une certaine rudesse. On pourrait aussi dire qu’il l’universalise, voire le normalise, c’est vrai et c’est là où le cinéma de Faucon et celui de Kechiche sont entièrement dissemblables : Chez l’un on plonge jusqu’à la cassure, physique et littérale (L’esquive, par exemple) tandis que chez l’autre le mélodrame est aéré, la ligne claire parfois désactivée pour pouvoir la reprendre. On est plus proche de Guédiguian, en un sens. Et on y pense aussi puisque Samia se déroule à Marseille et on y retrouve un peu ce qu’avait capté La ville tranquille ou plus récemment, Khamsa, de Karim Dridi.

     Philippe Faucon ne va appuyer sur aucun élément réaliste pour le traduire en surplus dramatique : Quand Samia échange des insultes avec une bande de fachos ou quand Yacine assiste à une arrestation par des CRS, il ne se passe rien de plus que ces faits. Ce qui est très beau dans Samia c’est de voir que l’auteur s’intéresse aux fissures de l’intérieur, aux griffes masculines qui s’emparent du quotidien des femmes. Faucon distingue trois portraits d’homme : le père, malade, qui n’existe plus qu’au travers de ses deux fils. Le plus jeune, réservé, ne prend ni vraiment le parti des filles, ni celui de sa mère, ni celui de son frère, il est un électron libre loin des coutumes. L’ainé, lui, semble avoir récupéré la figure paternel traditionnaliste à son point de domination le plus abject. Il n’existe d’ailleurs qu’à travers ce pouvoir puisqu’il ne fait rien de ses journées, regarde la télé, mange les plats que sa mère lui prépare, s’habille de vêtements pliés et rangés par ses sœurs, qu’il suit à longueur de temps.

     Une figure du mal (Vulgaire, aboyeur, violent) patriarcale, plus pathétique que dangereuse tant il est couvert par une mère qui, sans cesse, regrette de ne pas avoir eu plus de garçons que de filles. Car les filles  tentent chacune à leur manière un embryon d’indépendance : La fuite du foyer pour la plus grande, les études longues pour la suivante, le refus des règles pour Samia, l’insolence adolescente de Naima. Une sorte de Mustang avant l’heure, moins canalisé dans son dispositif puisque l’écart d’âge entre les sœurs est bien trop important. C’est donc un très beau film, qui parvient à trouver des instants de grâce et de détachement (une balade dans les calanques, un concert en plein air, une fête de famille) dispersés dans une montagne de conflits.

Laissez bronzer les cadavres – Hélène Cattet & Bruno Forzani – 2017

Calvaire.

   0.0   Il m’aura donc fallu attendre plus de 9 ans pour retrouver pareille séance calvaire à celle de Des trous dans la tête, de Guy Maddin. Laissez bronzer les cadavres est un trip bouffon psychédélique et caniculaire d’une arrogance absolue, puisqu’il semble à la fois se moquer des polars français 80’s et crier dans chaque plan qu’il réinvente le cinéma en visant Leone & Tarantino alors qu’il n’est que récusée immonde lorgnant du côté de Kounen. C’est à mes yeux aussi mauvais au polar que Planète terreur au film grindhouse : Un objet assourdissant à t’en briser les tympans, horripilant à te ronger les ongles jusqu’au sang, gorgé de couleurs dégueulasses à t’en creuser la rétine. Alors ok, on n’a jamais vu Manchette adapté de la sorte, mais bon. Tout est d’une telle lourdeur, qu’il s’agisse de ces coups de feu à n’en plus finir, ces gros plans bien gerbants, ces flashbacks outranciers, ces cartons horaire ridicules ou ces giclées de pisse et de sang bien complaisantes. L’horreur. Pire que L’étrange couleur des larmes de ton corps, c’est dire. Amer, leur premier long métrage, m’avait paru raté mais en émanait pourtant quelque chose de plus mystérieux et émouvant pour qui voulait bien y croire. Là je ne vois vraiment pas ce qu’on peut y trouver, c’est vraiment de la branlette. Dernière fois que je vois un film de ce couple de cinéastes bruxellois.

L’eau à la bouche – Jacques Doniol-Valcroze – 1960

Idylles en la demeure.

   6.5   Voici une petite curiosité. Réalisé par Jacques Doniol-Valcroze, l’un des fondateurs des Cahiers du Cinéma et de la Quinzaine des réalisateurs, L’eau à la bouche est un beau marivaudage en huis-clos, un grand chassé-croisé amoureux nourri du testament d’une vieille bourgeoise et donc de sa succession, entièrement tourné à Céret, dans les Pyrénées orientales, dans une demeure Art Nouveau. C’est un film aussi raffiné (La photographie, les mouvements de caméra, la composition des plans, à la fois classique et annonciateur de la Nouvelle Vague) que sensuel tant il peut tour à tour présager La collectionneuse ou La piscine et rappeler Bonjour tristesse. Mais c’est aussi un peu raté dans sa construction, ses enjeux et l’équilibre de son interprétation. Tous, quasiment, sont excellents, qu’ils s’agissent de Bernadette Lafont ou Jacques Riberolles (qui convoitait Delphine et tirait sur des sacs de peinture dans Les demoiselles de Rochefort) ou la lumineuse Alexandra Stewart. Mais voilà, le problème c’est qu’il y a en a un qui vient tout saloper, j’ai nommé le toujours nullissime et grotesque Michel Galabru. Je l’aimais pas mais dorénavant je le déteste, le mec arrive à flinguer un film tout seul comme un grand, bravo. Cet acteur restera une énigme pour moi. Voilà, il fallait que ça sorte. Pour en revenir au film, qui dans le fond reste assez anecdotique, j’imagine qu’il est un peu tombé dans l’oubli aujourd’hui, malgré son thème musical très « dans l’air du temps » chanté par Serge Gainsbourg, qui ouvre et clôt le film, et revient en instru à de nombreuses reprises.

Le grand chef – Henri Verneuil – 1959

Le sauvage.

   6.0   Fernandel chez Verneuil, ça interpelle, surtout pour ceux qui comme moi ne savent pas qu’ils ont fait une dizaine de films ensemble. Pour moi, Verneuil c’est Mélodies en sous-sol, Le clan des siciliens, Peur sur la ville, bref souvent j’oublie qu’il est aussi aux commandes de La vache et le prisonnier. Je m’attendais à quelque chose d’au mieux bidon et infantilisant, au pire débile et imbuvable.

     Alors évidemment, Le grand chef tourne principalement autour des pitreries et grimaces de Fernandel, évidemment qu’il est dans chaque plan et qu’il dévore le semblant de récit mis en place – La scène du bloc de glace en est l’illustration parfaite : Elle ne sert strictement à rien sinon à permettre à Fernandel de jouer le maladroit ahuris, simplet et malchanceux, bref ce qu’il fait de mieux.

     Pourtant je m’y suis amusé. J’ai toujours eu de la tendresse pour ces trucs, que ce soit très beau comme Le jouet, de Veber ou tout naze comme Bébé part en vadrouille – Pour ratisser large. L’histoire est donc simplissime : Antoine et Paolo sont laveurs de voiture et aimeraient ouvrir une station service à leur compte mais il leur faut des fonds. Le second embarque donc le premier dans son idée de kidnapper un écolier en proposant une rançon à ses vieux, qui milliardaires, n’hésiteront pas faire l’échange.

     Les deux bougres sont plutôt ridicules mais le kidnapping se déroule presque sans heurts. Le problème c’est que le gamin s’avère rapidement insupportable. Vraiment insupportable, d’autant qu’il jubile de ces vacances improvisées. Mais il est finalement plus attachant qu’insupportable, tu vois l’idée. Le film est hyper rythmé, superbement dialogué. C’est donc agréablement récréatif et labellisé « Pour les grands et les petits ».