Smile – Parker Finn – 2022

L’horreur qui rit.

   4.0   Dans un hôpital, une psychiatre voit se suicider une patiente, qui affirmait être suivie par une force « souriante », invisible pour les autres et capable de prendre l’allure de ses proches. Bientôt, la thérapeute se verra poursuivie par les mêmes hallucinations.

     Je reconnais avoir pas mal flippé, au début, en grande partie sur cette idée de sourire qui n’en est plus un tant il est marqué, forcé. Tant il déforme un visage plutôt qu’il ne l’égaye. Mais ce film-concept est vraiment fait pour ça, te faire sursauter (c’est la fête aux jumpscares) et te mettre mal à l’aise avec un sourire angoissant.

     Mais globalement, avec sa malédiction en chaine, Smile n’est que resucée d‘It follows, Ring ou Destination finale. Sans la force scénique des uns et l’efficacité populaire de l’autre. Affublé d’une dimension « extension de court » puisque développé autour d’un premier essai de court-métrage, et malheureusement ça se ressent.

     Je suis allé au bout par curiosité mais franchement, au bout d’une demi-heure j’en avais déjà plus rien à cirer : Rien ne fonctionne vraiment, en grande partie à cause de sa mise en scène peu inventive, de son interprète principale, à laquelle je ne crois jamais, de ses personnages sans intérêts. Tout y est aussi bien orchestré que téléphoné, comme un bingo horrifique savamment coché. C’est donc convenu, mais cruel. Il a au moins ça.

Le môme – Alain Corneau – 1986

Série B.

   4.0   Un Corneau mineur, polar érotique, qui tutoie les rives du nanar, mais qui s’avère assez attachant in fine, à l’image de sa séquence de course poursuite en bagnoles, mal branlée, interminable, mais on sent que Corneau y croit, qu’il aime bien le personnage d’Anconina, et surtout qu’il aime filmer l’actrice principale, à oilpé dans les trois quarts des scènes ou elle apparaît.

Ne coupez pas ! (Kamera o tomeru na !) – Shin’ichirô Ueda – 2019

Copiez !

   6.0   Les puristes diront que c’est parce que j’ai vu l’original après, je m’en fiche, je le scande, je préfère nettement la version d’Hazanavicius. Et en grande partie car il intègre l’idée de s’inspirer de celui-là, ce qui est original pour un remake. Mais ce n’est pas seulement ça : celui-ci ne me fait pas beaucoup rire. Disons qu’il souffre de son côté bouts de ficelle : les acteurs sont hyper mauvais, tandis que dans l’autre, Gadebois, Zadi ou Quenard me font marrer à tous les coups. Bon, ça reste une super matrice, une idée géniale, j’adore le geste. Mais si je dois revoir l’un des deux, je sais lequel je choisirais.

Salade grecque – Prime Video – 2023

Chacun cherche son chakra.

   5.0   Tandis qu’il visite la coloc de sa frangine à Athènes, Tom, le personnage principal lâche « c’est l’auberge espagnole, ici » ce à quoi elle répond « mais pas du tout ». Je pense que c’est Klapisch qui répond déjà à ses détracteurs. Mais sans argument, à l’image de sa série, sans intérêt, d’une médiocrité abyssale, la plupart du temps.

     On sentait qu’il y avait de l’amour pour ce qu’il filmait dans ses deux premiers films (déjà moins dans Casse-tête chinois) mais là on sent qu’il est « beaucoup trop vieux pour ces conneries » Tonton Cédric. Un truc édifiant : Ici, Tom a souvent des hallucinations qui le guident, d’un épisode à l’autre, il voit Socrate puis Plutarque, Epicure et enfin Aristote comme son père voyait Erasme. Au secours.

     Et il y a le fond : Le sujet central c’est moins la vie bohème de chacun et la cohabitation entre les différentes nationalités que la vente de cet immeuble, dont frère et sœur ont hérité de leur grand-père. On voit bien les intérêts nouveaux de Klapisch. On retrouve ce qui faisait le sel de Ce qui nous lie. C’est vraiment la version « gauche qui s’excuse » des Petits mouchoirs, le cinéma de Klapisch aujourd’hui.

     Et pourtant je n’arrive pas à détester l’ensemble de ces huit épisodes. D’une part car il y a un capital nostalgie évident : De la première heure on retrouve évidemment Xavier et Wendy (les parents de Mia & Tom) mais aussi Isa, Tobias et William. J’ai tellement aimé ces personnages il y a vingt ans.

     Mais in fine, je crois surtout que je me suis vite attaché à certains petits nouveaux : Zohan, Reem, Pippo, Noam. Je suis tombé amoureux fou de Giulia (magnifique Fotini Peluso) un rayon de soleil, qui rappelle un peu Soledad, dans L’auberge espagnole. La vertu d’une série ce sont ses personnages. Ils ne sont pas tous réussis ici mais on prend plaisir à les suivre. Je pense que c’est ce que Klapisch fait de mieux : créer des groupes de personnages. Et il y a au moins la découverte d’une actrice épatante, dont le personnage en prend un peu trop plein la gueule dans le récit (c’est très douteux…) mais qui est formidable, émouvante : Megan Northam aka Mia. Qui rachète allègrement celui qui incarne le frangin, Aliosha Schneider, un peu limité, pour être poli.

     La série a beau brasser (de façon artificielle) l’ère du temps, en intégrant une dimension woke, féministe, lgbt, metoo, etc.. en évoquant aussi le Covid, la guerre en Ukraine, les migrants, ça reste un produit purement klapischien donc très autocentré. Vers la fin, après de grandes révélations familiales brulantes, les « anciens » se fument un joint et sont très vite défoncés, rappelant un peu leurs soirées barcelonaises. Mais surtout, on voit que Xavier (Romain Duris) a vendu pour une adaptation ce qu’il avait écrit dans L’auberge espagnole, qui était ni plus ni moins que ce qu’on voyait. Et bien là, Xavier assiste aux premières images du film et il se trouve que ce sont celles du film L’auberge espagnole. Une façon pour Klapisch de dire qu’il ne changerait sans doute rien de ce film, qu’il ferait les mêmes images vingt ans après. C’est peut-être prétentieux, suffisant, j’ai trouvé ça pour ma part plutôt touchant et honnête. Probablement car j’ai toujours pensé que c’était ce qu’il avait fait de mieux.

En place – Netflix – 2023

Tout simplement bof.

   4.0   Le premier épisode donne la sensation de plonger dans un prolongement du très bon Tout simplement noir. Une version course à l’Elysée, puisque Stéphane (Jean Pascal Zadi) au préalable simple animateur de quartier se retrouve candidat présidentiel à la suite d’une vanne envoyée en direct au candidat gauchiste et maire de sa ville.

Quelques trucs m’ont fait marrer – grâce en grande partie à Zadi, sa gueule, sa diction je l’adore – notamment durant le premier épisode justement. Ou bien vers la fin en partie grâce à deux autres personnages : l’écoféministe incarnée par Marina Fois et le raciste notoire joué par Pierre Emmanuel Barré (On le voit beaucoup trop peu, c’est dommage).

Malheureusement, la série, pourtant très courte (6 x 30min) s’essouffle vite. Tout paraît bâclé, tombe à plat. Le rôle d’Eric Judor est un peu raté, aussi, on comprend pas bien son personnage. Benoit Poelvoorde est très décevant également. C’est surtout très sage, en fin de compte.

Un fou rire néanmoins, durant l’épisode 5, je crois : lorsqu’on voit la vidéo de campagne de la candidate écolo : Marina Fois se baladant en vélo dans son village et lâchant en croisant un habitant : « Eh dis-donc, ma Vhs du Sacrifice de Tarkovski, elle s’appelle revient… je suis maire, pas médiathèque » ça m’a fait la journée.

Diaboliquement vôtre – Julien Duvivier – 1967

Nécrose de la vie.

   3.0   Amnésique à la suite d’un accident de voiture, Georges Campo (Alain Delon) rentre chez lui. Mais rien ne lui revient. Ni le souvenir de cette femme, ni celui de cet immense château, ni son valet, ni son ami médecin, ni son chien, pas hyper chaleureux à son égard non plus. Rien. En prime il fait de drôle de rêves de guerre. Et bientôt il manque de tomber dans un trou, puis de se faire écrabouiller par un lustre. Au même titre que rien ne revient à Georges, rien ne fonctionne dans ce film. C’est une déclinaison ratée des Diaboliques, de Clouzot, on va dire. Par ailleurs, on note que Diaboliquement vôtre a l’étrange particularité d’être le dernier film de Julien Duvivier, qui meurt, deux mois avant sa sortie, dans… un accident de voiture. Une anecdote plus « intéressante et troublante » que le film lui-même.

L’attentat – Yves Boisset – 1972

Casting quatre étoiles.

   5.0   Trintignant, Volonte, Seberg, Noiret, Bouquet, Scheider, Bouise, Cremer, Piccoli, Blanche, Périer, François : C’est probablement l’un des castings les plus dingues du cinéma français. Tous au service de ce film d’espionnage implacable, inspiré de l’affaire Ben Barka. C’est vraiment pas un film facile (à aimer). Hyper cadré et dialogué, trop, trop écrit, mais tellement bien incarné, pour compenser sa froideur d’ensemble. À l’image de la musique d’Ennio Morricone, faite de stridences lointaines, minimale, angoissante. Un film impressionnant autant qu’hermétique.

Lunettes noires (Occhiali Neri) – Dario Argento – 2023

Fadeur aveugle.

   4.0   Il faut savoir que je ne connais absolument pas les films réalisés ces trente dernières années par le réalisateur de Suspiria, hormis Le sang des innocents que j’aime assez, par ailleurs. On me dit du bien notamment de son Syndrome de Stendhal, j’essaierai à l’occasion. Mais pour être honnête, Argento n’a jamais été une priorité. Donc à la fois je n’attends rien de celui-ci, mais pas un mauvais film non plus. Et je suis déçu sans l’être, sans doute car je ne suis pas surpris. J’aime beaucoup l’ouverture, qui confirme qu’Argento tire son obsession chez Antonioni mais ensuite je m’y ennuie beaucoup et en grande partie car je trouve sa mise en scène très terne, l’esprit giallo peu convaincant, l’interprétation au ras des pâquerettes. Je trouve que ça ressemble à une version ratée du formidable Terreur aveugle, de Richard Fleischer. Restent quelques jolies choses, la musique probablement, mais rien qui ne sorte de l’ordinaire. Vite oublié.

Mon crime – François Ozon – 2023

Les désastreuses années 30.

   2.0   Cette veine théâtrale d’Ozon (Huit femmes, Potiche, L’amant double…) ne m’intéresse pas beaucoup. Mais celui-ci c’est high level : Aussi atroce que l’accent de Dany Boon tentant d’imiter Raimu, le dernier Ozon est un théâtre de boulevard complètement atone, véritable polar sous cloche, qui s’en remet à ses petits numéros de comédiens plongés dans leur cabotinage respectif et des clignotants metoo grossiers transposés dans les années 30. Quant au propos revendiqué féministe (la revanche judicaire des femmes) il est liquidé par l’obsession du film à créer des personnages féminins antipathiques, vénéneuses, arrivistes, superficielles. C’est tout de même un comble que le personnage pour lequel nous avons un peu d’empathie soit celui incarné par Dany Boon. La scène de procès est pire que la scène interminable au commissariat qui la précède. Les nombreuses scènes d’appartements n’en parlons pas. Et il y a le dernier tiers, avec l’arrivée d’Hupert en sosie d’Armande Altaï. L’enfer. Un film qui fait peut-être davantage théâtre que la pièce dont il s’inspire.