Tout voir, écrire sur tout.
Série B.
4.0 Un Corneau mineur, polar érotique, qui tutoie les rives du nanar, mais qui s’avère assez attachant in fine, à l’image de sa séquence de course poursuite en bagnoles, mal branlée, interminable, mais on sent que Corneau y croit, qu’il aime bien le personnage d’Anconina, et surtout qu’il aime filmer l’actrice principale, à oilpé dans les trois quarts des scènes ou elle apparaît.
Tous pourris.
6.5 Film aussi bancal que passionnant. En fait, je suis passé par deux états, puisque j’ai d’abord trouvé ça vraiment raté, malgré quelques bonnes idées ou trouées, au moins pendant une heure, mais ensuite le film m’a complètement cueilli jusqu’à me scotcher sur sa fin et ses vingt dernières minutes hallucinantes. C’est très bizarre Corneau, Série noire c’est Dewaere qui me pose problème, puisqu’on ne voit que lui, il brouille tout. Et là c’est un peu le contraire, je ne vois personne, je vois un magma mais je n’y crois pas : Corneau passe de l’opulence bourgeoise (du monde de Montand et Deneuve) à la précarité des autres (police, petites frappes, junkies : incarnés entre autre par Depardieu (immense là-dedans), Anconina, Lanvin etc…) avec une énergie un peu balourde. Le montage est très disgracieux. Et en même temps c’est aussi ce décalage qui fait sa force, qui lui offre une singularité un peu sale, électrique. J’aime beaucoup sa façon de filmer les cités notamment, mais aussi l’hystérie. Finalement je me dis que ce Corneau-là a beaucoup inspiré, car j’ai pas mal pensé à certains films d’Audiard, mais aussi au récent Le monde est à toi, de Romain Gavras. Je pense que c’est un film un peu raté, un peu indigeste, mais si on l’accepte il y a aussi une vraie mélancolie qui se dégage dans sa façon de se focaliser sur ces personnages pathétiques et désabusés. Peu importe ce qu’ils traversent, ils trimbalent tous une vraie tristesse. Je ne sais pas trop encore si le film prend bien le temps de le déployer ou s’il met trop de temps à le déployer, mais il y a un climat de tragédie puissant sur sa fin. Quoiqu’il en soit, son dernier quart m’a tellement impressionné que j’aurais tendance à oublier que le film m’a d’abord beaucoup ennuyé.
Dérive de Franck Poupart.
6.0 Une éternité que je n’avais revu Série noire. Il m’en restait rien sinon la prestation halluciné de Patrick Dewaere, forcément. Le film est fort, sans doute l’un des meilleurs de Corneau, mais je ne peux m’empêcher de penser qu’il est trop dépendant de son acteur principal. Il en fait beaucoup, alors certes il le fait bien, mais il en fait beaucoup et bouffe littéralement le film au point qu’à côté de lui les autres ne sont que des personnages concepts : Marie Trintignant apathique, Bernard Blier opportuniste véreux, Myriam Boyer nunuche. On ne voit que Dewaere. D’ailleurs il est de chaque plan, puisque tout se vit à travers lui, sa folie, dès la première scène géniale dans ce terrain vague où il semble rejouer toutes les interprétations, tous les genres, d’Humphrey Bogart à John Wayne, du gangster au cow-boy. Devant Série noire, j’ai beaucoup pensé à deux autres films, probablement meilleurs, avec lesquels il constituerait une sorte de triptyque symbolique sur la folie d’un seul homme au sein d’une société qui ne l’est pas moins, à savoir Taxi driver et Schizophrénia. Tous trois sont par ailleurs sorti à quatre années d’intervalle, en l’espace de huit ans, donc. Un film américain, un film français, un film autrichien, si éloignés à tout point de vue, et pourtant si proches dans leur volonté de raconter de l’intérieur, le destin violent de trois psychopathes chacun cloitré dans sa propre folie.
L’homme à la valise.
8.5 C’est l’histoire mystérieuse d’un homme qui en recherche un autre, disparu. « I’m looking for someone » ne cesse de répéter Jean-Hugues Anglade durant les nombreuses rencontres qui jalonnent son voyage en Inde, à Bombay, Madras, Goa. Qui cherche-t-il et pourquoi ? Le film ne va pas forcément y répondre, du moins pas selon les conventions scénaristiques ni une construction attendue. Il s’appelle Rossignol, il est français, il recherche un certain Xavier, qui lui est portugais. Il écrit des lettres mais les froissent aussitôt, pour une certaine Isabel, avant qu’il ne raye et la remplace par une certaine Magda. A mesure qu’il est happé par son itinéraire, il semble parfois retrouver une familiarité dans les lieux qu’il traverse mais il dit pourtant qu’il vient ici pour la première fois. Une nuit, il aura une discussion étrange avec le cardiologue d’un hôpital vétuste et surpeuplé. Une autre nuit, une voyante au visage difforme lui dira que son âme est ailleurs. Il parlera des étoiles éteintes avec une adolescente sur une plage. Chaque jour il séjourne dans un hôtel différent, des palaces comme des taudis. Il découvre bientôt que l’homme dont il est à la recherche pourrait avoir changé de nom, qu’il s’appellerait dorénavant Nightingale. On a par instants la sensation qu’il y a un personnage mais qu’il pourrait ne pas y en avoir, l’impression qu’il y a une quête mais qu’elle peut s’évaporer à tout moment, que le film n’est qu’une succession de rencontres pour capter le maelstrom indien, que l’écriture est si ténue qu’elle peut se dissoudre pour laisser place à l’imprévu, au film en train de s’écrire, que le spectateur et l’acteur (Et Anglade le joue très bien, sans doute car il est au-delà du jeu, vraiment perdu) sont eux-mêmes ballottés dans cet immensité foisonnante, sans repères, qui permet au film de s’extirper d’une banale quête initiatique avec réponses à la clé. Nocturne indien est un voyage total. Le vertige prend vraiment essor après que la jeune indienne, Vimla Sar, ait rapporté les mots que Xavier lui avait laissé, offerts ici en off dans une succession de plans vides (L’avant d’une barque, les grottes d’Eléphanta, une statue indienne…) que Rossignol va bientôt traverser, exactement de la même manière : Les plans sont identiques, seule sa présence change. Il faut d’ailleurs noter que le film est entrecoupé de chapitres qui sont chaque fois les noms et adresses des lieux que le personnage traverse. Vertigineux, partout, le film l’est jusque dans cette cinglante ultime réplique. Et accompagné par l’un des non moins vertigineux morceaux des plus doux, mélancolique, somnambulique et bouleversant de l’histoire de la musique classique : Le quintette à cordes en Ut de Franz Schubert. C’est un film envoutant, dans lequel on prend un plaisir fou à se perdre, probablement parce qu’il utilise à merveille l’Inde, comme un dédale sublime et terrifiant, sature les couleurs intérieurs (Le rouge chez le professeur de théosophie, le bleu dans le train) et s’ouvre à la lumière grâce à toutes ces rencontres jarmuschiennes (Beaucoup pensé à Permanent Vacation) qui ornent ce récit de quête identitaire d’un occidental se transformant en initiation cauchemardesque, insomniaque que la dernière séquence (et son final en point d’interrogation) viendra accentuer dans un jeu aussi pertinent (On perd le spectateur autant que l’acteur et le personnage, qui pourtant retrouve sa langue natale alors qu’il a parlé anglais et écrit portugais pendant tout le film) que déstabilisant. Evidemment ça ne ressemble pas vraiment à ce que Corneau (De ce que j’ai vu : Série noire, Police Python, La menace) avait l’habitude de faire (Même si l’on retrouve une atmosphère proche du polar) ce qui rend l’objet (adapté d’un roman d’Antonio Tabucchi, que du coup je rêve de lire) à ce point passionnant et précieux. C’est Duras qui croise Lynch et Antonioni, c’est donc absolument essentiel.
Les chasseuses.
5.5 Il n’est pas utile de connaître L’invraisemblable vérité de Lang pour très vite comprendre où est ce que Corneau veut en venir, à savoir le retournement de situation dans un engrenage improbable, d’une affaire de meurtre. Il est parfois question de problèmes hiérarchiques chez Corneau, Dans Série noire par exemple, jusqu’à aujourd’hui peut-être son meilleur film, il est aussi question de retournement des choses, comme dans La menace, et ce Crime d’amour, son dernier film, ne déroge absolument pas aux règles, ça tombe même sous le sens, à tel point que l’on se demande pourquoi le cinéaste n’avait pas réalisé ce correct remake plus tôt à la place de se perdre dans les méandres du précédent, qui était lui le remake d’un film de Melville. On l’aura compris, Corneau n’avait plus grand chose à dire, il avait besoin de faire renaître les classiques. Si le tout début du film laisse présager un plantage sans nom (direction d’acteurs branlante, rythme soporifique, grimaces décuplées, platitude de la mise en scène) la suite sauve les meubles, avec son ambiance un peu poisseuse, ces personnages mystérieux, ce climat hyper sensuel et peu enjoué pré-meurtre, et celui hyper ludique et enfin dynamique post-meurtre. Et s’il s’abandonne à des idées de montages complètement vaines (l’explication par images noir et blanc en flash-back, à chaque nouveau rebondissement improbable dans l’intrigue) Corneau n’en délaisse pas son personnage central, d’arrosé arroseur, qui s’en va chercher son innocence dans la plus folle des manipulations. C’était à qui sera le plus vicieux et efficace. Et ça fait son petit effet je trouve.
