Page d'archive 285

Control – Anton Corbijn – 2007

3467Love will tear us apart.    

     8.0   C’est un bien beau premier film que nous offre ici Anton Corbijn de part cette évocation de la vie d’Ian Curtis, chanteur du groupe Joy Division, qui connaîtra une renommée principalement post-mortem. De ses premières chansons écrites à son suicide le 18 mai 1980, la veille de leur concert aux Etats-Unis qui s’annonçait comme leur premier grand triomphe, Sam Riley incarne le chanteur Mancunien avec une parfaite maîtrise au point de nous faire oublier que la personne à l’écran n’est pas le vrai Ian Curtis.     Le réalisateur hollandais opte pour le noir et blanc, excellente initiative car d’une efficacité redoutable lorsque l’on évoque la descente aux enfers d’un homme coincé dans un monde trop grand pour lui. Car le leader du groupe précurseur de la new wave n’avait rien d’une destinée envieuse : marié trop tôt, père de famille trop tôt, il est très vite infidèle mais ne veut pas tourner la page, il est sujet à des crises d’épilepsie à répétition et ne partage pas les envies mégalomanes de son entourage. « Je préférais l’époque d’Unknown pleasure » dira t-il, c’est à dire les moments cool avant la gloire! Mais il a perdu le contrôle de sa vie (référence : « She’s lost control »), il est ravagé par un flôt de contradictions. Son suicide n’en sera que légitime.     Et cette représentation à l’écran dans un Macclesfield magnifié est redoutable de justesse et de pureté, entre longues séquences silencieuses, caractérisant le personnage fascinant comme l’étaient les leaders des groupes de rock des années 60′s et 70′s, et scènes musicales nostalgiques montrant les paroles mélancoliques du chanteur comme une évocation de ses sentiments personnels quotidiens. Un des meilleurs films de l’année.

Woman on the beach (Haebyonui Yoin) – Hong Sang-Soo – 2008

Woman on the beach (Haebyonui Yoin) - Hong Sang-Soo - 2008 dans Hong Sang-Soo 1_457

Errance triangulaire.     

   8.0   Si Night and Day contenait certaines longueurs, peut-être celles se déroulant sur Deauville même, il faut dire que ce film là, se déroulant quasi-intégralement sur une plage coréenne d’apparence très proche des côtes françaises, est très bien rythmé.

     Le personnage est un cinéaste dont on ne sait guère si ça marche pour lui, seulement qu’il a ses admirateurs, qui semblent appartenir à un cercle restreint. C’est un cinéaste qui cherche l’isolement, le bruit de l’océan pour écrire son prochain scénario. Il part accompagné d’un jeune couple mais dans ce trio quotidien, tombe très vite sous le charme de la belle Moonsook (pas très glamour comme prénom au passage !) ce qui va perturber son besoin d’écrire… Ou pas. Puisque l’inspiration viendra peut-être à cet instant…

     Le personnage est probablement l’alter-ago de Hong Sangsoo. Il y a quelque chose de toujours autobiographique dans ces deux films sortis récemment. Des histoires de cœurs, un respect incroyable pour la création artistique, un rapport intime avec la nature, franchement on se croirait rendu chez Rohmer ! Car la réalisation du cinéaste coréen et en plus de cela très proche de celle du cinéaste français. Il filme à hauteur d’homme, fixe ou circulaire, de manière la plus minimaliste pour intensifier notre identification aux personnages. Son film joue de façon éloquente sur les signes du destin ce qui lui confère inévitablement le statut de film Rohmérien.

     C’est très beau, plein de poésie, de sensibilité, d’amour et pas si anodin que ça sur la condition sociale de son pays, Hong Sangsoo restant conscient d’un potentiel danger.

Vicky Cristina Barcelona – Woody Allen – 2008

VCB5_LEntre dos aguas.

   5.0   La première partie du film laisse indifférent. On passe du bon temps, sans plus, ce qui est loin d’être un compliment pour un film de Woody Allen. Puis dès l’apparition de Pénélope Cruz, tout prend une tout autre tournure et le film trouve sa voie. Tout en changements scénaristiques,tout en surprise, le film s’avère stimulant ci et là, par petites touches. Ici, en guise d’exemple, c’est la balade entre Juan Antonio et Vicky qui paraissait sans espoir. Puis l’arrivée de Maria Elena lorsqu’on ne l’attend plus.

     Bon après il y a ce qu’évoque le film. La vie de bohème passagère, la dimension artistique. C’est un film qui donne envie de créer. De prendre une toile et de peindre. Un appareil photo et de prendre des photos. Une guitare et jouer. C’est plein de vie, plein de finesse, plein de couleur (avec la présence de Pénélope Cruz on se sent parfois presque chez Almodovar !), et d’hystérie aussi, évidemment.

     Le film offre aussi un regard sur les sentiments, envahis par le besoin de changements ou les principes. Ce dernier plan est finalement le plus sombre du film. L’aventure a fait grandir Cristina et lui apprit à croire en elle mais est-ce qu’elle va réussir à en tirer partie réellement ou ne va-t-elle pas sombrer comme ce couple d’artistes dont la force créatrice fonctionnait en la présence de Cristina justement ? Et Vicky de refuser la vie de bohême pour poursuivre la vie monotone avec son mari (la tête de con du film) avec qui elle s’est marié récemment, alors qu’elle imagine bien entendu sa vie dans vingt ans prendre la même tournure que celle de Mark et Judy, à savoir pas très heureuse.

     C’est du vaudeville purement anecdotique qui a ses instants de saveur. Et puis il y a Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Peneleope Cruz. C’est agréable. Et agaçant. Pour les dames, chaque apparition de Javier Bardem, chemise débraillée, regard lumineux, beau mâle espagnol,  physiquement plus attirant que dans le dernier Coen, devrait être un régal.

     Voilà c’est un film à voir le dimanche après-midi, ce que j’ai fait, avec sa petite amie, ce que j’ai fait, juste après un Woody Allen plus ancien, ce que j’ai fait, tant sa douceur, ses couleurs, évoquent les vacances d’été passées et le soleil ibérique.

Bled Number One – Rabah Ameur-Zaïmeche – 2006

Bled Number One - Rabah Ameur-Zaïmeche - 2006 dans Rabah Ameur-Zaïmeche 18614086

     6.5   Bled Number One, son second long métrage, est plus éthéré. Le cinéaste s’affranchit des lois de la rue où les désespérés s’insurgent contre les flics (si ce n’est plutôt l’inverse), pour nous confronter à un environnement moins clos, plus naturel, finalement davantage axé sur les problèmes liés au bled, où les hors-la-loi prennent le pouvoir en nombre, et où les désespérés n’ont plus qu’à suivre ou se la boucler.

     En fait il y a deux histoires principales qui se recoupent dans Bled Number one. Celle de cette jeune femme que son mari et sa famille rejètent parce qu’elle veut tout quitter pour s’adonner à la chanson, et celle de cet homme (encore le cinéaste) rentré au pays après un séjour en France, qui ne voit aucune issue possible, aucun avenir le concernant.

     Les cadrages sont magnifiques. De nombreux moments sont grandioses, en particulier cette fin, en pleine campagne sous un soleil de plomb, ouverte et qui appelle un certain optimisme. Néanmoins c’est probablement celui des trois qui me touche le moins.

Wesh Wesh qu’est-ce qui se passe ? – Rabah Ameur-Zaïmeche – 2002

Wesh Wesh qu'est-ce qui se passe ? - Rabah Ameur-Zaïmeche - 2002 dans Rabah Ameur-Zaïmeche wesh3

     6.5   Wesh Wesh qu’est ce qui se passe ? est le premier film du cinéaste Rabah Ameur-Zaïmeche et déjà c’est un cinéma qui s’engage, un cinéma qui utilise des détours poétiques pour se centrer socialement.

     Et déjà, le cinéaste joue dans son film. C’est Kamel, qui de retour dans sa banlieue parisienne après avoir purgé cinq ans de prison et deux années d’expulsion, essaie tant bien que mal de se frayer une place dans la société, de se trouver une identité, en étant à la recherche d’un boulot, d’abord par intérim puis auprès d’un ami de son père, devenu patron. Mais il se heurte à un rejet permanent qui met en cause son casier et le fait qu’il soit sans papiers.

     Wesh Wesh est un film frontal, très violent, sans concessions mais d’emblée la caméra saisi quelque chose d’assez unique, flotte entre ces murs de cité, de jour et de nuit, par beau ou mauvais temps, dans ces familles ou dans ces groupes, dans cette constante opposition entre les flics et les gens de la rue, et offre des images éblouissantes et symphoniques.

Le Voleur de bicyclette (Ladri di biciclette) – Vittorio De Sica – 1949

f_31Le pain et la rue.

   9.0   Vittorio De Sica est ici très proche de Buñuel ou serait-ce l’inverse ? La mise en scène, le propos, le climat, le milieu social rappellent inévitablement Los Olvidados, au détail près que le cinéaste italien n’utilise pas les codes oniriques comme son confrère espagnol. Son film n’en est pas moins somptueux pour autant.

     Les Ricci sont issus d’un milieu social très modeste. Et le jour où le mari dégote un travail, poseur d’affiches, il doit se procurer une bicyclette au plus vite pour ne pas se faire substituer son poste. Sa femme lui dira qu’ils n’ont pas besoin de draps pour dormir et hop ils vendent leurs draps afin de s’acheter cette bicyclette. C’est chose faite, le père Ricci peut travailler. Ce deux-roues prend donc une place très importante dans la vie de cet homme et dans le film tout court. Elle est son gagne-pain, ce qui lui permet aussi de nourrir les siens. Et le spectateur a les yeux rivés dessus autant que son propriétaire.

     Evidemment arrive l’instant tant redouté, sans cela le titre n’existerait pas. Et voilà notre ami accroché à cet objet comme à la prunelle de ses yeux, le voilà lancé aux trousses du voleur, comme si c’était son enfant qui avait été kidnappé… Plus qu’un film social sur la difficulté de s’en sortir, Vittorio De Sica parle de désespoir, d’anéantissement moral en n’omettant pas de rappeler que dans les pires situations, le vol n’est plus vraiment un crime mais la démonstration qu’une âme en perdition peut y recourir en guise de profond désespoir. En somme, on ne vole pas pour voler, comme on ne tue pas pour tuer, mais pour manger.

L’Echange (The Changeling) – Clint Eastwood – 2008

L'Echange (The Changeling) - Clint Eastwood - 2008 dans Clint Eastwood h_4_ill_1047538_echange

I want my son back.     

   5.5   Ah ce sacré Clint ! Il y a beau y avoir de nombreuses choses que l’on déteste dans ses films que pourtant il est absolument impossible de détester le film en son entier. Clint Eastwood c’est la grâce, l’élégance, le peu de classicisme beau qu’il reste à Hollywood.

     Il restait donc sur un diptyque moyen que constituaient Mémoires de nos pères et Lettres d’Iwo Jima, qui sur ses allures de plaidoyer anti-guerre faussement moral révélait quelque chose de très fluide, classique c’est vrai, mais où l’on ne voyait pas le temps passer. Clint fait des films qui durent deux heures, ils pourraient en durer trois que l’on ne voudraient en aucun cas partir. Million Dollar Baby et Mystic River sont des films non exempts d’une certaine abondance lacrymale et pourtant on y trouve du sublime. Un truc que l’on ne voit nulle part ailleurs dans les films ricains. Auparavant, dans les années 90, il avait pondu deux chef-d’œuvres que sont Un Monde Parfait et Sur la route de Madison, le premier brillant pour cette ambiguïté morale et ce personnage mi-figue mi raisin, car méchant mais attachant ; le second par la pureté de cette histoire d’amour impossible, épurée et magnifique.

     Le nouveau film du vieux c’est Changeling, L’Echange. En locurence l’échange d’un enfant. Christine Collins (excellente Angelina Jolie) rentre chez elle du boulot et découvre que son fiston de neuf ans a disparu. Probablement kidnappé. Et cinq mois plus tard comme par le plus grand des hasards les autorités ont retrouvés l’enfant et s’empressent de réunir la presse afin de filmer les retrouvailles. Mais Christine est formelle, ce garçon n’est pas le sien. Ce garçon n’est pas Walter Collins. It’s not my son dira t-elle à maintes reprises, en vain. Mais la police ne va pas salir sa réputation, déjà fortement mise en doute, pour cette citoyenne qui fait chier. Voilà où en est le personnage quand le film a à peine commencé.

     Clint Eastwood fait le film emphatique et complaisant par excellence. La mère Collins est victime d’une conspiration qui la dépasse, visant à faire croire n’importe quel mensonge à la populace car, comme le dit un flic en début de film : Les gens aiment les histoires qui finissent bien. Les rôles sont distribués : Les internes des HP, les membres de la police ne sont pas des gentils. Le révérend et la victime du kidnapping dans la ligne du bien. Mais Clint l’escroc s’est dit que ça allait être un peu too much quand même donc on a droit à flic gentil – plus tard dans le récit bien entendu, un fois que Miss Collins aura pleuré toutes les larmes de son corps – qui lui se démène pour trouver la vérité et n’hésite pas à bousculer les institutions.

     Et donc la grande qualité de ce film c’est son réalisateur. Si on avait eu un Barry Levinson (j’ai pensé à Sleepers parfois) ou un Frank Darabont (j’ai aussi pensé à La Ligne Verte, si si) le film aurait été une purge sans nom. Mais c’est Clint aux commandes. Et on a beau boudé on a envie d’être indulgent car il y a quelque chose de très beau là-dedans, quelque chose qui nous tiens et qui ne nous lâche plus.

Dernier Maquis – Rabah Ameur-Zaïmeche – 2008

Dernier Maquis - Rabah Ameur-Zaïmeche - 2008 dans * 2008 : Top 10 tn_img-6-300x171Utopie orange vert pourpre.   

   8.0   Ce film apparaît comme l’évolution adéquate dans la petite mais déjà imposante filmographie de Rabah Ameur-Zaïmeche. Car même s’il retrouve « l’espace clos » de son premier film, à savoir qu’ici les immeubles aux étages infinis ont été remplacés par un lieu de travail recouvert de palettes rouges, le grain de l’image est lui plus proche de son précédent film, dans cette démarche plus lente, plus lyrique d’aborder l’espace. Mais quelque chose a cependant bien changé. Son cinéma gagne un grade de plus, prend davantage aux tripes et se veut plus profond, peut-être plus écrit. Comme le dit RAZ lui-même, c’est un film sur la religion et le prolétariat, un film sur l’islam et le travail, voir l’islam au travail.

     Très loin des clichés habituels, le cinéaste s’improvise ici personnage patron d’un chantier (« s’improvise » car d’origine ce rôle n’était pas pour lui mais pour un acteur connu qui s’est désisté deux jours avant le début du tournage) qui décide d’ouvrir une mosquée, de façon à réunir ses employés, mais ce sera lui qui en désignera l’imam et poussera les non musulmans à se convertir.

     Parabole du chef d’entreprise, RAZ pousse la réflexion encore plus loin, ou du moins nourri une certaine ambiguïté qui n’aurait de cesse d’occuper le film en son entier, en présentant un personnage parfois antipathiques, parfois attachant, de même que des mécanos compréhensibles mais pas non plus irréprochables dans leur démarche auprès des ouvriers, et des ouvriers alors précarisés loin d’être exempts de lâcheté. D’autant que certaines séquences à l’appui (celle du ragondin par exemple) sont très déstabilisantes puisque le cinéaste parvient à changer notre perception, notre jugement sur ces personnages en une fraction de seconde. Et évidemment cet épisode est chargé de symboles politiques.

     Et quand RAZ décide d’employer le hors champ concernant son personnage (sur la barque, à la mosquée) il réussit quelque chose d’inouï, presque d’inespéré. Le patron est là et en même temps ne l’est pas. C’est très fort. De la même manière il y a une absence totale de femmes (une question qui occupa de la place à tort pendant le débat) car je cite le cinéaste « Faire apparaître une femme dans le récit aurait été nuisible car on aurait embrayé sur un autre film, et la seule femme qui aurait pu être ici ç’aurait été le personnage de Mao, mais je tenais trop à ce rôle après coup ! »

     Vous l’aurez compris, Dernier Maquis est selon moi bien meilleur que les deux autres. Quoique 1h30 durant j’aurais parlé de très bon film et non de grand film, avant qu’apparaisse ce dernier plan symboliquement chargé, et ce générique final sous cette musique originale hallucinante, rythmée par le bruit des palettes, grandiose d’un type dont j’ai oublié le nom, mais qui est un génie!

Milestones – Robert Kramer & John Douglas – 1975

Milestones 7Sur la route.

   8.5   Film fleuve, fresque monumentale, Milestones dresse le portrait de multiples personnes dispersés dans une Amérique post guerre du Vietnam, des militants qui s’interrogent sur leur identité, sur le pourquoi historique.

     Milestones est sorti sur les écrans cannois en 1975 où il fut projeté à la quinzaine des réalisateurs. C’est en toute logique que le film est ressorti cette année à cette même quinzaine, et passe de façon inédite sur les écrans de l’hexagone durant l’automne. Enfin, sur les écrans de l’hexagone. Disons plutôt trois salles. Trois malheureuses salles en France.

     Milestones est un film difficile. Un film qui dure 3h15. Un film morcelé. Un film loin d’être fluide, qui oscille entre différentes vies, communautés, à tel point que l’on s’y perd, ce qui atténue certains moments qui auraient pu être très forts. Milestones c’est la lente agonie des communautés hippies, des révolutionnaires, des marginaux d’Amérique, qui considèrent leur triste passé commun et envisagent comme ils peuvent ce qui pourrait ressembler à un futur.

     Les réalisateurs Kramer et Douglas jouent énormément avec le procédé documentaire/fiction puisqu’il est vraiment délicat de ne pas les confondre. En ajoutant à tout cela certaines images d’archives sur le génocide des indiens et l’esclavage. Et en ce sens c’est un film unique. Un film qui ne ressemble à aucun autre. Un film muni d’une fin assez sensationnelle, presque déstabilisante par son trop plein de réalisme. Mais Milestones laisse cependant sur le carreau. Il est interminable. Mais il est légitimement interminable.

A Swedish Love Story (En Kärlekshistoria) – Roy Andersson – 1970

A Swedish Love Story (En Kärlekshistoria) - Roy Andersson - 1970 dans Roy Andersson

Un amour de jeunesse.     

   8.0   Il était grand temps que ce film suédois, jusqu’alors inconnu dans l’hexagone, sorte sur nos écrans. Non que l’on ne soit pas gâté par le cinéma suédois, Ingmar Bergman érigeant sur ses seules épaules déjà le cinéma de son pays au rang de sublime, mais parce qu’il est unique en son genre et qu’il traite comme d’aucuns n’avaient su le faire aussi bien, avec un travail très intéressant au niveau de la mise en scène, de l’amour adolescent, débarrassé des débâcles adultes, au point de nous faire regretter nos quinze ans. On y croit tout le temps. C’est sans cesse magnifique et très joliment filmé. Roy Andersson fait passer les sentiments par les regards (qui plus est d’une intensité rare de la part de ces deux jeunes acteurs), par les silences, leur relation étant pour ainsi dire dénuée de mots. Comme c’est le cas à quinze ans ! On n’ose s’approcher. On se parle très peu. Qu’en est-il de la sexualité ? Quelle démarche adopter pour séduire l’autre ? Les visages sont cinglants de beauté pure, candeur et spontanéité. Les yeux scrutent l’horizon en espérant y trouver un regard réciproque. Et pas question pour Andersson de s’affranchir du reste en ne montrant qu’un flirt. Il enrobe son histoire d’amour socialement en montrant un quotidien parental déprimant, soucieux de tout, dans un environnement coincé financièrement. Il évoque aussi certaines mœurs suédoises de la classe profonde. Sans pour autant laisser l’humour de côté, qui se révèle très froid, très spécial !Peut-être Andersson est-il nostalgique de ses quinze ans ? L’âge de l’insouciance. Le plus bel amour que l’on puisse vivre, le plus percutant, marquant car le plus naïf qui puisse exister.

1...282283284285286

Catégories

Archives

septembre 2020
L Ma Me J V S D
« août    
 123456
78910111213
14151617181920
21222324252627
282930  

Auteur:

silencio


shaolin13 |
Silyvor Movie |
PHILIPPE PINSON - ... |
Unblog.fr | Créer un blog | Annuaire | Signaler un abus | Playboy Communiste
| STREAMINGRATOX
| lemysteredelamaisonblanche